Blaue und weiße Azulejos

Zwischen dem späten 17. und der Mitte des 18. Jahrhunderts durchlebte die portugiesische Azulejo-Kunst das, was oft als ihr goldenes Zeitalter gilt. Es war eine Zeit, in der die Farbe von der Wand verschwand und alles auf zwei Töne reduziert wurde: Kobaltblau auf strahlend weißem Grund. Diese chromatische Zurückhaltung schränkte die Kunst keineswegs ein, sondern befreite die Maler für Komposition, Perspektive und Erzählung, was zu einigen der ambitioniertesten Werke führte, die jemals mit Azulejo in Portugal geschaffen wurden.

Die Mode des Blaus

Die Vorliebe für Blau und Weiß entstand nicht zufällig. Im Laufe des 17. Jahrhunderts verfiel Europa dem chinesischen Porzellan, das über die Handelsrouten des Ostens mit seiner blauen Malerei auf weißem Grund nach Europa gelangte, sowie der niederländischen Delfter Fayence, die es nachahmte und in großem Umfang exportierte. Dieser Geschmack erfasste auch die portugiesischen Werkstätten, die allmählich die mehrfarbigen Paletten der hispano-maurischen und italienischen Muster aufgaben.

Ein politisches Ereignis beschleunigte den Wandel. Zwischen 1687 und 1698 verbot König D. Pedro II. die Einfuhr von Azulejos, was den Markt zwang, sich auf die nationale Produktion zu verlassen. Die Töpfereien in Lissabon reagierten mit Nachdruck, und Werkstätten wie die von Gabriel del Barco übernahmen monumentale Aufträge. Die Unterbrechung der Importe bremste die Kunst nicht, sondern festigte eine eigenständige portugiesische Schule.

Der Zyklus der Meister

Die Zeit zwischen etwa 1690 und 1725 wurde als Zyklus der Meister bekannt. Zum ersten Mal systematisch etablierte sich der Azulejo-Maler als vollwertiger Künstler: Er signierte seine Werke, passte die Kompositionen mit bemerkenswertem Geschick den zu verkleidenden Räumen an und griff frei auf europäische Stiche als ikonografisches Repertoire zurück. Persönlichkeiten wie António de Oliveira Bernardes und sein Sohn Policarpo hoben die Azulejo-Kunst auf ein Niveau malerischer Virtuosität, das mit der Ölmalerei konkurrierte.

Im barocken Azulejo hörte die Wand auf, Träger zu sein, und wurde zum Rahmen: Jedes Bild erzählt eine Szene, und das Ganze liest sich wie ein illustriertes Buch aus Keramik.

Es folgte die Joaninische Epoche, benannt nach der Regierungszeit von D. João V (1706–1750), einer Zeit des Überflusses und großer dekorativer Kampagnen. Meister wie Valentim de Almeida, Bartolomeu Antunes und Nicolau de Freitas vervielfachten die Wandbilder in Kirchen, Klöstern und Palästen. Die Komposition wurde nun in gemalte architektonische Rahmen eingebettet, mit Säulen, Giebeln und allegorischen Figuren, die die reale Architektur des Gebäudes illusionär erweiterten.

Von der Wand zum Kulturerbe

Der blau-weiße Azulejo wurde untrennbar mit der Vorstellung des portugiesischen Raums verbunden. Er bedeckte Kirchenschiffe mit hagiografischen Zyklen, Klosterkreuzgänge mit biblischen Episoden und edle Säle mit Jagdszenen, Fabeln oder Allegorien. Seine Sprache steht im Dialog mit den großen Stilen der Epoche, vom Prunk des Joaninischen Barocks, sichtbar im Convento de Mafra, bis zum Übergang zum Rokoko-Geschmack. Er ist auch das Bindeglied zwischen den manuelinischen und renaissanceinspirierten Mustern der Azulejo-Kunst und der späteren Serienproduktion der Pombalinischen Epoche, die nach dem Erdbeben von 1755 nüchterner und rationalisierter wurde.

Eingebettet in das weite Universum der portugiesischen dekorativen Künste, bleibt der blau-weiße Azulejo eines der erkennbarsten Identitätsmerkmale des Landes. Seine Wandbilder schmücken weiterhin Fassaden und Innenräume von Norden bis Süden, Zeugnisse einer Epoche, in der zwei Farben ausreichten, um die Geschichte, den Glauben und den Alltag einer Nation zu erzählen.